Senza Fretta, prima mostra di ampio respiro di Simone Forti in un museo italiano co-curata con Luca Lo Pinto, è stata concepita come un focus sulla pratica ibrida dell’artista, la cui ricerca si muove tra danza, film, disegno, suono e scrittura, attraverso uno sguardo politico e al contempo personale.

Nota a livello internazionale e figura chiave nello sviluppo della performance dalla fine degli anni cinquanta a oggi, Forti porta avanti un lavoro fondato sull’esperienza, sul movimento, sulla capacità di improvvisazione del corpo in relazione al linguaggio e agli oggetti. In particolare è l’espressione fisica praticata attraverso la danza – una danza radicalizzata in movimenti primari e gesti quotidiani – a costituire la chiave fondamentale del suo lavoro.

Durante tutta la durata della mostra al Centro Pecci sono state riattivate a cadenza settimanale alcune delle performance più conosciute dell’artista (Cloths, 1967; Sleepwalkers, 1968; Scramble, 1970), assieme a lavori messi in scena per la prima volta in questa occasione (Song of the Vowels, 2012; Rollers, 1978–2021). Le pièce sono state eseguite da un gruppo di performer eterogenei per età, genere, provenienza e formazione, selezionati e formati per la mostra da Sarah Swenson, storica allieva e collaboratrice di Simone Forti.

La veicolazione dell’esperienza performativa, e quindi l’insegnamento tramite workshop e laboratori, è un elemento fondamentale della pratica dell’artista, che intende la rimessa in scena delle proprie performance come una “trasmissione di conoscenza tra corpi”. Il reenactment delle performance pone costantemente questioni ontologiche relative a originalità, trasmissione, temporalità dell’opera; nella pratica di Simone Forti la riattivazione delle performance le rende un “organismo dinamico” che rimane attivo nel tempo e accessibile a una comunità mutevole; il museo, pur nell’atto singolare di una mostra, diviene una sorta di garante della veicolazione del lavoro, un attivatore rispetto alla comunità specifica che si crea attorno all’opera e un mezzo di documentazione volto alla creazione di un archivio vivente della performance.

Titolo della mostra

Il titolo della mostra di Simone Forti al Centro Pecci di Prato, Senza Fretta, è nato quando sono andato a trovare Simone a Los Angeles per discutere dell’evento. Sapendo che Simone spesso sceglie i titoli aprendo a caso un libro di poesie di William Carlos Williams, le ho chiesto se potevamo usare lo stesso metodo per trovare il titolo di questa mostra. Quindi, aprendo a caso le pagine, ha messo il dito su queste parole che tradotte in italiano sono “senza fretta” e ci è sembrato immediatamente un titolo ideale.

Linguaggi espositivi

La pratica di Simone Forti e tutto il suo lavoro non sono immediatamente traducibili nel linguaggio classico di una mostra e di conseguenza lo mettono in discussione. Simone è un’artista fuori formato. Presentando la sua ricerca in modo letterale si rischia di farne perdere la vitalità del linguaggio e delle modalità in cui si esprime. Prima di tutto con Simone abbiamo ragionato sull’opportunità di fornire uno sguardo diverso sul lavoro, usando News Animations (1980–in corso) – che non è solo una serie di opere ma corrisponde a una vera e propria pratica – come una sorta di cavallo di Troia per guardare a tutta la sua ricerca in un senso più generale. Abbiamo anche risposto alle specificità dello spazio espositivo per rendere la mostra performativa, come fosse un live che però non è costante, in quanto l’altra dimensione della mostra è definita dalla compresenza di video, disegni, opere su carta. In tale ottica abbiamo lavorato molto sul suono.

Suono e video

Il suono è l’elemento che fa da filo rosso per l’intera mostra. È una traccia sonora pensata appositamente per questo progetto, costituita da un collage di esperimenti che Simone Forti ha realizzato negli anni: registrazioni di strumenti, canzoni e letture di un libro autobiografico. Il tentativo è stato cercare di rendere la mostra esperienziale e immersiva. I video stessi sono proiettati seguendo l’architettura dello spazio al fine di integrarsi nel modo più naturale possibile. Il Centro Pecci è tutto curvilineo, in esso non c’è nulla di funzionale o di regolare. Di conseguenza l’unica chiave era muoversi in risposta alle sue specificità.

Ruolo della parola

L’uso della parola e l’attenzione critica al linguaggio sono essenziali nella pratica di Simone Forti e in particolare in News Animations. Le prime performance, le Dance Constructions (1960–1961), erano il tentativo di produrre un’ibridazione tra il corpo, il movimento e la scultura. In News Animations, una serie iniziata a metà degli anni ottanta, l’utilizzo della parola diventa più esplicito in una ricerca verso un linguaggio espanso. Le News Animations – sia nei disegni, dove la parola appare in una forma sempre suggestiva, che nelle performance – traggono ispirazione dalla lettura delle notizie pubblicate sui giornali. Prendendo spunto dagli headlines o dagli articoli, l’artista attiva una catena di associazioni in cui la parola e il movimento diventano strumenti che, nella loro commistione, producono un modo preciso di lavorare in reazione a quanto è stato letto e condiviso. Non si tratta semplicemente di una serie di opere, ma di una vera e propria pratica sviluppata inizialmente all’interno dei laboratori e workshop che Simone ha tenuto in quegli anni e che ha continuato a seguire.

Simone Forti e la sua influenza

Riassumere la ricerca di Simone Forti non è semplice e cercare di sintetizzarla in un modo lineare andrebbe contro allo spirito che la anima, in quanto è un lavoro poetico che si presta a essere letto da tutti in modo eterogeneo. Questo è l’aspetto più coinvolgente, soprattutto quando si ha la fortuna di assistere alle performance dal vivo. La mostra al Centro Pecci, focalizzandosi sulla serie News Animations, fa emergere una dimensione più politica e sociale – sebbene non militante – della pratica di Simone Forti che non era stata ancora esplorata nonostante sia presente fin dagli esordi. Pensiamo a una performance come Huddle (1961), che in mostra è presente come video, in cui un gruppo di 6/7 performer crea una sorta di struttura, che è costantemente in movimento, interpretabile sotto tanti punti di vista diversi. Un’altra performance in mostra trae spunto dall’osservazione degli animali negli zoo: gli animali in gabbia sono confinati in uno spazio che li priva di libertà e movimento. Il ruolo di Simone nella storia dell’arte contemporanea è cruciale: se finalmente siamo giunti a una predisposizione da parte dei musei e del pubblico a linguaggi diversi da quelli delle arti visive è anche grazie a lei. Vedere figure che lavorano con il suono, la danza e immagini in movimento all’interno dei musei oggi è un fenomeno comune. In quest’ottica Simone è stata una delle figure che più hanno forzato i confini tra le discipline e lo ha fatto in un momento storico dove ciò non era assolutamente scontato. Oggi gode finalmente del riconoscimento che merita nonostante la comunità artistica fin dall’inizio ne abbia celebrato l’originalità. L’influenza di Simone è monumentale quanto apparentemente fragile ed effimero appare il suo lavoro.

Tematiche sociali

Le dimensioni politica e sociale nel lavoro di Simone sono presenti anche se mai in modo esplicito, perciò ritengo il suo lavoro profondamente poetico. Basta guardare i video di News Animations. Le notizie che sceglie di attivare sono sempre connesse ai temi della guerra, del cambiamento climatico, dei conflitti razziali, coprendo l’arco temporale di questi ultimi quarant’anni, passando dalla guerra fredda fino ai conflitti attuali. L’idea di attivare le news è un invito a usare il proprio corpo per esprimersi in modo libero invece di accettare passivamente quanto ci viene comunicato, soprattutto oggi, considerando le limitazioni della libertà di stampa e il proliferare delle fake news.

Rapporto con i giovani e legacy

Nel corso della sua vita Simone Forti ha sempre insegnato, intessendo relazioni tra diverse comunità e generazioni. Nonostante le opere esposte appartengano a diversi momenti, tutti i lavori sono accomunati da una stessa vitalità, in particolare le performance che ormai non sono più eseguite da Simone, ma da altri danzatori attraverso una sorta di tradizione orale. Vi è un aspetto gioioso e al contempo di messa in discussione dell’idea stessa di danza e di movimento, ma anche dell’idea di scultura, che attraversa e incarna tutta la poetica di Simone. Il suo è un approccio profondamente personale, influenzato dal dialogo con altri artisti. Fin dall’inizio Simone infatti ha collaborato con musicisti, registi coreografi, danzatori, come Charlemagne Palestine, Peter van Riper o Hollis Frampton. La pratica di Simone si scontra con tutti i paradigmi sia della storia dell’arte che del sistema dell’arte, mettendoli in crisi. Basti pensare alle riflessioni che scaturiscono quando una ricerca del genere entra nella collezione di un museo, costringendo l’istituzione a una radicale auto-interrogazione in quanto sfugge alla convenzionalità dell’opera d’arte tradizionalmente intesa.

La mostra al Centro Pecci

L’interesse di Simone Forti non è mai stato indirizzato al produrre oggetti, ma al lavorare criticamente con il movimento in una forma espansa. Per tale ragione Simone si è confrontata raramente con il linguaggio espositivo ed è solo negli ultimi 10-15 anni che ha cominciato a esporre in modo più continuativo in musei e gallerie seppur raramente con un suo coinvolgimento diretto. In questo caso ci tenevo che fosse coinvolta nell’ideazione fin dall’inizio anche se poi, per motivi di salute, non è potuta essere fisicamente al museo. Rispetto alle mostre precedenti – in particolare quella più onnicomprensiva del 2014 al Museum der Moderne Salzburg intitolata Thinking with the Body: A Retrospective in Motion – quella al Centro Pecci non è una retrospettiva, ma tenta di adattare il medium espositivo all’approccio di Simone senza snaturarlo cercando di mantenere una dimensione performativa, facendo sì che l’elemento del liveness possa essere applicato insieme al linguaggio dell’opera, della mostra e del museo.

Un’artista del movimento

Penso che la maggior parte di noi abbia un’idea tradizionale di che cosa sia un coreografo; così se dici, per esempio, di Simone Forti che “lei è una coreografa”, la gente immagina che lei crei passi specifici che devono essere fatti in un certo modo, e ciascuno deve essere molto preciso nel modo in cui li esegue, i passi devono essere gli stessi ogni volta (è lo stereotipo del coreografo, come è stato forse nel passato. Oggi la definizione del coreografo sta cambiando). Questo tipo di coreografia non è ciò che Simone fa. Perché esistono tantissimi tipi diversi di movimento, non c’è solo il movimento del corpo; il movimento delle stoffe è il movimento dell’opera Cloths (1967), per esempio. Quindi un’“artista del movimento” non crea movimenti esclusivamente per il corpo umano. Un altro esempio è Onion Walk (1961), in cui una cipolla è posta all’imboccatura di una bottiglia, germoglia e si autoalimenta finché la crescita verde diventa più pesante del bulbo, e cade. La caduta è movimento, ma lo è anche la crescita, l’invisibile, lento progresso. Simone scrive, e scrivere è anche una forma di movimento. Per questo Simone Forti definisce se stessa come un’“artista del movimento”.

Fonti d’ispirazione

Le fonti per le opere di Simone Forti sono proprio varie. Possono essere un sogno, un ricordo, un desiderio e così via. Per esempio, Huddle (1961), che Simone ha creato quando è tornata dalla California, dove era stata sul dance deck di Anna Halprin, a stretto contatto con la natura, con gli alberi, l’acqua e i fiumi… arrivando a New York non si trova nulla di simile, è tutto cemento. Io penso che lei avesse solamente il desiderio di utilizzare il suo corpo – voleva un monte da scalare –, e utilizzava quello che aveva a disposizione. Quindi, nel creare Huddle, una scultura fatta con i corpi umani che a turno si arrampicano l’uno sull’altro, ha dato sfogo a un desiderio, un desiderio fisico da soddisfare. Sappiamo che Cloths deriva invece da un sogno che ha avuto, in cui qualcuno le ha detto “vai via” e lei non voleva andare, per questo motivo nella performance si era nascosta dietro a una tenda. Un altro esempio: mi ha raccontato che quando ha creato Hangers (1961) era depressa, ma per restare presente, sentire il suo peso e la sua massa bastava.

La collaborazione per la mostra

Condurre l’installazione insieme, come è avvenuto al Centro Pecci di Prato, ha richiesto la collaborazione tra i curatori, i rappresentanti di Simone, Simone stessa e i rappresentanti di un museo come il MoMA, che è prestatore della mostra, in base al pezzo da creare. Il coinvolgimento dipende da molti fattori. Penso che la collaborazione sia la cosa primaria, perché ci sono diverse idee tra cosa Simone vuole, quello che i curatori vogliono, cosa può essere effettuato in realtà. Per esempio, all’inizio volevano alcune Dance Constructions (1960–1961) per l’installazione a Prato, ma ciò non era possibile a causa della pandemia, quindi ci serviva flessibilità per creare qualcosa di nuovo. Le cose cambiano continuamente, è stato un lungo processo di dare-avere e, quindi, di collaborazione.

Il ruolo della musica

Il ruolo della musica nei lavori di Simone Forti non è lo stesso per ogni opera. Lei ha fatto opere in cui, nonostante non ci siano elementi audio intenzionali, si genera suono, e altre in cui il suono è stato pensato con uno scopo preciso. Per esempio, in Slant Board (1961) l’azione è legata all’arrampicata con corde, e quando una corda è rilasciata, questa sbatte su delle tavole di legno, creando un suono particolare. La performance non era stata creata per il suono, eppure il suono è molto presente. In Accompaniment for La Monte’s 2 sounds (1961) e La Monte’s 2 sounds (1961), invece, lei ha sentito la musica e ha deciso di fare qualcosa di molto semplice che la accompagnasse. La musica è una cacofonia, ma l’opera in sé è molto statica. Simone voleva che la gente prima di tutto ascoltasse la musica, perciò il performer resta immobile e non fa nient’altro che ascoltare, così il pubblico è invogliato ad ascoltare a sua volta. Un altro esempio di opera la cui ispirazione centrale è stata la musica è Scramble (1970), in cui risuona il rumore dei passi di chi sta performando.  L’intenzione non è la stessa ogni volta; nell’audio di Cloths (1967), oltre alla voce registrata, a volte c’è un “whoosh” quando la stoffa viene gettata in avanti. In Platforms (1961), da Dance Constructions, i performers fischiano, il suono ha una intenzione, ma non è l’unico elemento. In Censor (1961), anche questo parte di Dance Constructions, invece il suono è primario. Simone è davvero poliedrica, non fa una cosa sola, ma unisce suono, movimento, scrittura.

L’imitazione del comportamento degli animali

Sappiamo che Zoo Mantras (1968–2010) deriva dall’abitudine di Simone di osservare gli animali. L’orso per esempio: quando abbiamo lavorato su questo progetto, abbiamo cercato di agire seguendo il comportamento dell’orso, oppure un elemento del comportamento dell’orso. La maggior parte di noi però gli orsi li ha visti solo allo zoo, quindi a volte guardavamo video degli orsi nel bosco. Emulate è la parola migliore per descrivere il nostro modo di procedere, emulare l’animale. Proviamo a impersonare il comportamento fisico delle creature, ma allo stesso tempo si tratta di un’astrazione, perché noi non siamo quegli animali, ma cerchiamo di far emergere l’essenza dei loro movimenti, delle loro attività, possiamo solo approssimare.

Le Dance Constructions: l’origine, non la sintesi

Le Dance Constructions non costituiscono la sintesi delle opere di Simone. Sono state piuttosto il primo lavoro che ha creato e da cui ogni altra cosa è emersa. Probabilmente è la sua opera maggiormente conosciuta nel mondo, ma in nessun modo costituisce la totalità del suo lavoro. In parte perché sono una creazione unica. Non c’è nulla come le Dance Constructions: sono opere di scultura e movimento allo stesso momento, esistono sia nel tempo che nello spazio. Simone le ha prodotte molto presto nella sua carriera, all’inizio degli anni sessanta; dopo di loro sono seguite molte altre cose geniali e originali… Vorrei anche aggiungere che non parliamo abbastanza delle qualità di Simone come performer, un aspetto molto importante del suo talento.

L’ispirazione per Dance Constructions

Potrei rispondere a una domanda sull’origine delle Dance Constructions solo in parte. Mi ricordo che all’epoca Simone era sposata con Bob Morris e vivevano insieme a New York. Per Simone non era chiaro chi influenzasse chi in quella situazione. Simone aveva un quaderno, dove disegnava le sue idee; aveva disegnato una tavoletta inclinata con un angolo di 90 gradi cui erano appese delle corde. Aveva avuto l’idea di qualcosa di concreto – il legno e la corda –, ma non sapeva come realizzarlo. E Bob disse: “Li farò per te”, e fece pezzi usando legname trovato per strada. Ho nella mia mente l’immagine di Simone seduta sul letto a disegnare. Individuare la fonte della creatività è veramente difficile. Quando un’idea ti viene in mente e la gente chiede “come ti è venuta quest’idea?”, non puoi sempre specificare. Qualche volta, come in Cloths, l’origine è un sogno specifico, ma la maggior parte delle cose emergono dalla nostra mente, senza sapere di preciso da dove. Penso che l’origine delle Dance Constructions sia da ricercare, da una parte, nella partenza dalla California rurale del nord e nell’arrivo a New York, una città nuova, e dall’altra parte, nel voler usare il proprio corpo. Arrampicarsi con una corda e sentire il tuo corpo, trattenerlo per dieci minuti… si tratta di un grande sforzo, ma uno sforzo serio, con una grande ambizione, quella di radicarsi. E una volta stanco, tu riposi, e sei fondamentalmente vivo.

L’elaborazione di Sarah Swenson di News Animations

Ogni News Animation (1980–in corso) è differente, dipende da chi la fa, dal luogo in cui siamo e dall’epoca in cui ci troviamo. Tuttavia, le News Animations sono sempre politiche. In questo caso stavo pensando all’anno passato, al significato della storia degli Stati Uniti e a come siamo finiti nella situazione attuale. Non è un’idea nuova per me, ma significa che adesso più che mai dobbiamo guardarci indietro per dire (molto in ritardo comunque, secondo me): “Quello che è successo non era giusto”. Ci sono moltissime cose che dobbiamo affrontare, come potete vedere, siamo un paese diviso: metà di noi non vuole riconoscere e accettare la nostra storia sanguinosa, l’altra metà pensa che dobbiamo fare qualcosa “ORA”. Nella mia riflessione, ho fatto la cronologia che ci porta dal 1492 al 2021, scrivo pensieri, leggo, ho trascritto fatti, letture, li ho mischiati…

Il rapporto con gli spettatori

Questa è la domanda più semplice che mi hai fatto finora! Penso che la ragione per cui le opere di Simone attraggono gli spettatori sia perché essi le riconoscono come qualcosa che hanno fatto, che stanno facendo, o che possono fare. Per esempio, in Scramble (1970) i performer sono semplicemente persone che camminano e corrono. Molte altre performance di Simone contengono attività quotidiane, come camminare, correre, cadere, arrampicarsi, appendere, parlare… non è una ballerina che esegue virtuosismi che nessuno può fare. Il virtuosismo è inteso in un altro modo nelle opere di Simone. Fare queste semplici azioni significa che dobbiamo lasciare andare molto di ciò che ci è stato insegnato e compierle in modo naturale, più similmente a come fanno ai bambini… camminare normalmente, correre normalmente, parlare normalmente. La cosa più difficile per alcune persone, specialmente per i ballerini addestrati, è lasciare andare la loro tecnica e fare queste cose in modo molto ordinario e semplice. Non c’è allenamento, l’allenamento è lasciar andare l’allenamento!